domingo, 23 de diciembre de 2007

A tiro limpio

Año: 1963
Duración: 85 min.
País: España
Género: Cine Negro
Formato: Color
Reparto: Jose Suarez, Luis Peña, Maria Asquerino, Carlos Otero
Dirección: Francisco Perez-Dolz
Fotografía: Francisco Marin
Guión: Miguel Cusso
Música: F. Martinez Tudo



Sinópsis:

Martín y Antoine, que han organizado una banda de atracadores, se ponen en contacto con Román para que les consiga armas y un cuarto hombre. Román convence a Picas, un antiguo atracador que ahora se dedica al trabajo en una masía que tiene alquilada.

Video via: ChristieBooks
Info Via: Todo Cine



Ver en la pagina de origen: Aquí

sábado, 22 de diciembre de 2007

La Burla del Diablo - Beat The Devil


Interpretes: Humphrey Bogart, Jennifer Jones, Gina Lollobrigida, Peter Lorre
Año: 1954
Genero:Aventura, Comedia
Formato: B&N
Nacionalidad: UK
Director: John Huston.

Escrita por Truman Capote, un grupo heterogéneo de viajeros parten en barco a África para comprar unas tierras con Uranio

Cockfighter


Reparto: Richard Shull, Harry Stanton, Warren Oates, Millie Perkins
Director: Monte Hellman
Director de Fotografía: Néstor Almendros.
Duración: 01:23:00
Género: Drama
País: EE.UU.
Año: 1974




Frank es un hombre al que le apasionan las peleas de gallos, con sus animales recorre el sur de los Estados Unidos para participar en las luchas que se organizan. Es un mundo duro en el que muchos hombres preparan sus gallos para matar y otros buscan conseguir el honor perdido.



Video via: CinemaniaTV

El Proceso - The Trial


Nacionalidad: Francia/Alemania/ Italia
Año:1963,
Duración: 118 min.
Idioma: Inglés,
Formato: Blanco y Negro
Dirección: Orson Welles
Guíon: Orson Welles
Fotografía: Edmond Richard
Edición: Yvonne Martin, Frederick Muller, Orson Welles
Sonido: Jacques Lebreton: Guy Villete
Música: Jean Ledrut, Tomaso Albinoni
Maquillaje: Luis Dor
Protagonistas
Anthony Perkins
Orson Welles
Romy Schneider
Producción: Robert Florat,Michael Salkind

Hitchcock solía decir que la mayoría de las películas eran realmenta acerca de un mismo tema, un hombre inocente acusado por error.

El público de hoy no tiene paciencia para seguir a un hombre cuando lucha contra la persecución; actualmente las películas tratan acerca del hombre inocente explotado y olvidado inmediatamente. Cuando realmente el tema encuentra nueva vida, como en "El Fugitivo," se traduce en la acción, y el héroe paga la película con su destreza sobre cómo eludir su captura, en lugar de luchar contra la injusticia de la sociedad. Demasiado malo (aunque "El Fugitivo" es una película espléndida), porque todos nosotros tenemos profundas sensaciones de culpa, y a menudo nuestros sueños están plagados de crímenes que nunca cometimos. En estas pesadillas nosotros intentamos defendernos, explicar, pero las autoridades nos ignoran. Tales situaciones son tan temidas y frustrantes que yo me pregunto cómo alguna vez Hollywood tuvo la idea de que era más atemorizante disparar a personas, o explotarlas lo cual deviene en una simple descarga de tensiones.

La novela de Franz Kafka "El Proceso" es una de las mejores historias jamas escritas sobre el Hombre Inocente, y aún mejor porque tiene sentido que Josef K., su héroe, sospeche en secreto que debe haber hecho algo malo para merecer tal tratamiento de las autoridades. Josef es despertado una mañana por su casera quien le informa que unos hombres quieren verlo.Ella revela por su forma de decirlo que ya lo cosidera culpable; cualquiera que reciba tan extrañas visitas tan temprano en la mañana probablemente sea muy poco digno de fiar. La policía ha venido a informar a Josef sobre los cargos contra él - cargos que nunca le son informados , aunque Josef pasa el resto del historia intentando averiguar lo que él ha hecho según se alega.

¿Leen las personas a Kafka? Yo estoy pensando en lectores reales, gente que ama el olor y siente el placer por un libro, no estudiantes haciendo una tarea obligada. Es irónico que esta nueva película de "El Proceso" probablemente significará, para la mayoría de sus espectadores, una experiencia completamente nueva. Ellos no habrán leído el libro, ni siquiera la mayoría de ellos ha visto la gran versión de Orson Welles de 1963.

Mala señal, porque esta película, dirigida por David Jones con guión adaptado por Harold Pinter, carece del enojo y el miedo de la historia de Kafka y la versión Welles. Josef K., en la primera version , fué tan vilipendiado en su esencia que no podía ser tratado de otra manera. En verdad, él pudiera ser en secreto culpable de algo (¿quién no lo es?) pero si el estado no le asigna un nombre, entonces esto debería mandarlo al infierno de por vida.

Kafka escribió en los primeros años de este siglo. Welles fue formado por ellos. Hoy nosotros hemos asimilado la noción de un estado poderoso; inclusive la mayoría de nosotros se asusta ante la idea de ser detenido por un policía de tráfico. Todavía creemos, ingenuamente, que si nosotros seguimos las reglas todo esta en orden. Eso parece ser la creencia de Josef en esta versión de "El Proceso"; Kyle MacLachlan asume el rol de un hombre recto, reservado, lógico que continúa intentando defenderse pacientemente.



Info via: Aquí
Video Via: CinemaniaTV

SIN NADA QUE PERDER (out of the blue)

Interpretes: Dennis Hopper, Linda Manz, Raymond Burr, Sharon Farrell, Don Gordon
Año: 1981
Genero: Drama
Formato: Color
Pais: Canada /USA
Director: Dennis Hopper


Don Barnes sale de la cárcel por haber chocado un bus escolar borracho matando e hiriendo a docenas de niños.



Video via: CinemaniaTV

Charada


TITULO ORIGINAL Charade
AÑO
1963
DURACIÓN
114 min. Sugerir trailer/vídeo
PAÍS Estados Unidos
DIRECTOR Stanley Donen
GUIÓN Peter Stone
MÚSICA Henry Mancini
FOTOGRAFÍA Charles Lang Jr.
REPARTO Cary Grant, Audrey Hepburn, Walter Matthau, James Coburn, George Kennedy, Ned Glass
PRODUCTORA Universal Pictures
GÉNERO Comedia. Intriga




SINOPSIS: Una mujer vuelve de una pequeñas vacaciones en una estación de esquí dispuesta a pedir el divorcio a su marido, pero cuando llega a París se encuentra con que éste ha sido asesinado. Las sospechas, según la embajada americana, recaen en 3 hombres que buscan un dinero que aparentemente tenía su esposo, pero que en realidad pertenece al gobierno de los Estados Unidos.





Video via: CinemaniaTV
Info via: FilmAffinity

El angel azul (1930) de Josef Von Sternberg



Director: Josef Von Sternberg
Intérpretes: Emil Jannings, Marlene Dietrich, Kurt Gerron, Rosa Valetti.

El profesor Inmanuel Rath (Emil Jannings) es un severo profesor de literatura que reprende a sus alumnos por poseer postales de una bella cantante llamada Lola Lola (Marlene Dietrich), que actúa en un club de cabaret denominado "El ángel azul".
Una noche acude al local para regañar a sus pupilos. Tras conocer a Lola Lola, él también quedará prendado de sus encantos.

Sombrío retrato psicológico de un hombre autoritario y reservado que deviene en un ser sumiso y humillado por la obsesión amorosa y la atracción sexual, hasta convertirse en un payaso abatido y ultrajado, como así lo fue su predecesor sentimental, pudiendo advertirlo a lo largo del film con las apariciones del primer payaso.

El tratamiento atmosférico del film, siempre un aspecto sobresaliente en los trabajos de Josef Von Sternberg, con especial incidencia en los aspectos lumínicos (con huellas del expresionismo) expositores del nocturno ambiente y el desarrollo de sus personajes, la elaboración minuciosa y reflexiva de cada escena, junto al magnífico empleo del sonido, siendo una de las primeras películas sonoras de la filmografía germana, el estudio del caracter central en su confrontación clasista y descenso hasta la autodestrucción, y la sugerente intervención de Marlene Dietrich, convierten a esta película en una de las más importantes en la carrera de sus protagonistas, en especial de la actriz alemana, que lograría alcanzar el estatus de estrella internacional con este título que daba inicio a su histórica colaboración cinematográfica y personal con Von Sternberg.

Entre sus defectos, la celeridad en el desarrollo y motivación de las acciones sentimentales, en contraposición con su pausado ritmo, lo que puede impedir la conexión emocional con el asunto, al margen de la excelente definición de la situación moral del personaje central, enaltecido por la interpretación del soberbio Emil Jannings.
La película está basada en "El Profesor Unrat", una novela escrita por Heinrich Mann, hermano del también literato Thomas Mann.


Sin Subtitulos



viernes, 21 de diciembre de 2007

Madrid


Año: 1987
Duración: 114'
Guión y Dirección: Basilio Martín Patino
Producción: José Luis García Sánchez
Fotografía: Augusto G. Fernández Balbuena
Música: Carmelo Bernaola
Intérpretes:Rüdiger Vogler, Verónica Forqué, Maria Luisa Ponte, Luis Ciges, Ana Duato.

Hans, un realizador alemán, se encuentra en Madrid para hacer un programa de televisión sobre la capital y la guerra civil, al cumplirse el cincuentenario de ésta. Acompañado por Lucía, responsable del montaje, y por Goyo, su operador, recorre y graba imágenes de la ciudad actual, dispuesto a descubrir sus espacios y sus gentes relacionados con el pasado. Al mismo tiempo, revisa y monta los materiales de archivo sobre la época. En su búsqueda Hans duda y se interroga acerca del sentido y la naturaleza de su trabajo, con cuyos productores disiente, hasta acabar sustituido en una realización que comenzaba a apasionarle. Pero ha tomado partido por la libertad.

Info via: Basilio Martin Patino
Video via: ChristieBooks



jueves, 23 de agosto de 2007

Persona - Ingmar Bergman


Título Original: Persona
Año: 1966.
País: Suecia
Dirección: Ingmar Bergman
Intérpretes: Gunnar Björnstrand, Bibi Andersson, Liv Ullmann, Jörgen Lindström, Margaretha Krook
Duración: 1 hora 25 minutos









Info via: Cine Linkara
Video Via: CinemaniaTV

El Quimerico Inquilino - Roman Polanski


TITULO ORIGINAL Le locataire
AÑO 1976
DURACIÓN 126 min.
PAÍS Francia
DIRECTOR Roman Polanski
GUIÓN Roman Polanski & Gérard Brach (Novela: Roland Topor)
MÚSICA Philippe Sarde
FOTOGRAFÍA Sven Nykvist
REPARTO Isabelle Adjani, Roman Polanski, Shelley Winters, Melvyn Douglas, Jo Van Fleet, Bernard Fresson, Lila Kedrova, Claude Dauphin
PRODUCTORA Marianne Productions
Terror / SINOPSIS: El dependiente Trelkovsky (Roman Polansky) ocupa un apartamento en París en el que había vivido una mujer que se ha suicidado.

Info y Video via: Kinema Dissortis

domingo, 29 de julio de 2007

Los siete samuráis - Akira Kurosawa


Título Los siete samuráis
Ficha técnica
Dirección Akira Kurosawa
Producción Sojiro Motoki
Guión Shinobu Hashimoto, Akira Kurosawa, Hideo Oguni
Música Fumio Hayasaka
Fotografía Asakazu Nakai (blanco y negro)
Reparto Toshiro Mifune, Takashi Shimura
País(es) Japón
Año 1954
Género Drama, Acción
Duración 160 minutos

La acción transcurre en el Japón del siglo XVI. Los habitantes de un poblado de campesinos, hartos de ser periódicamente asaltados por una horda de bandidos, deciden hacer algo al respecto. El miembro más anciano del pueblo sugiere contratar samuráis para que los defiendan. Tras varios intentos fallidos de encontrar samuráis dispuestos a luchar tan solo a cambio de comida, encuentran a uno llamado Kanbei, que decide ayudarles. Gracias a Kanbei consiguen reunir a un grupo de siete, y parten hacia el pueblo.

Tras la cosecha, los samuráis entrenan a los campesinos para que luchen contra los bandidos, los cuales sufren algunas bajas en los primeros ataques al poblado. Los bandidos intentan diferentes estrategias, pero no consiguen derrotar a los campesinos, por lo que al final se lo juegan todo en un último ataque. Eventualmente, cuatro de los samuráis y algunos de los campesinos mueren también, pero al final los bandidos son masacrados y el poblado gana la batalla. Tras esto, los samuráis supervivientes abandonan el pueblo y vuelven a su anterior modo de vida.

La película de Akira Kurosawa ha tenido varias adaptaciones, algunas mejor recibidas de otras. La primera fue la película Los siete magníficos, rodada en 1960 y protagonizada por Yul Brynner, en la que la acción transcurría en en lejano oeste y los siete samuráis eran sustituidos por siete pistoleros.

Info: Wikipedia


sábado, 26 de mayo de 2007

El Bosque Animado


Director: José Luis Cuerda.
Guión: Rafael Azcona.
Intérpretes: Alfredo Landa, Fernando Valverde, Miguel Rellán, Alejandra Grepi.
Fotografía: Javier Aguirresarobe.
Música: Jose Nieto.
País: España.
Año: 1987
Duración: 108 min.

El director José Luis Cuerda y el guionista Rafael Azcona ya habían visitado tierras galaicas antes de "La lengua de las mariposas" para recrear una historia basada en una novela del escritor Wenceslao Fernández Florez ambientada en un pequeño pueblo gallego y las diversas relaciones que se establecen dentro del microcosmos rural tomando al bosque como protagonista central.
El film, empero estimable, carece de la admirable definición cinematográfica de la película anteriormente citada.

Los diferentes personajes que aparecen como el enamorado pocero cojo, el jocoso bandido Feldetestas (¿qué sería de un frondoso bosque sin sus salteadores?), las ánimas errantes en pena, la muchacha harta de maltrabajar para su tía que decide irse a la ciudad, los niños movidos entre la picaresca y la laboriosidad, las solteronas urbanas que pretenden pasar unos días de relax en el campo, el cura, la guardia civil o el acaudalado y ocioso señor del pazo son algunos de los habitantes de un ámbito propicio para la magia y la leyenda, para la superstición y la brujería, aspectos que Cuerda no termina por entrelazar con la suficiente destreza mientras dibuja con cierta habilidad el retrato costumbrista y crítico de una microsociedad y una época enfocada desde un sentido sanamente humorístico.

Aunque con un claro desequilibrio, lo trágico y lo cómico se unen en un film coral aceptable que obtuvo un gran éxito, pero que no termina por culminar con magnificencia fílmica su glauco paseo por unas vidas de unos personajes entrañables llenos de anhelos y apetencias.
Alfredo Landa, Miguel Rellán o Fernando (Tito) Valverde destacan entre un amplio plantel de intérpretes hispanos como así también lo hace la partitura musical de José Nieto.

AlohaCriticon



Los Cuatro Cocos - Hnos Marx - 1929


Director: Robert Florey y Joseph Santley
Intérpretes: Hermanos Marx, Kay Francis, Margaret Dumont, Mary Eaton.
Año: 1929
País: U.S.A.
Duración: 1h 27 min

En un hotel de Florida dirigido por Mr. Hammer (Groucho Marx) se trama el robo de una preciada joya propiedad de Mrs. Potter (Margaret Dumont), cuya hija Polly (Mary Eaton), desea casarse, en contra de los deseos de su madre, con el arquitecto Bob (Oscar Show).
Por su parte, Hammer intentará vender al mejor precio los solares de la Hacienda Los Cocos.

Primera y delirante aparición de los hermanos Marx en el cine sonoro (antes habían grabado un corto titulado "Humor Risk"), adaptando una obra musical escrita por George S. Kaufman e Irving Berling que ya habían representado con gran éxito en Broadway.

"Los cuatro cocos" es una de las más enajenadas y anárquicas películas de este sorprendente y admirado clan familiar, con perturbados diálogos entre Groucho y Chico (lo del viaducto es antológico) y con un hambriento Harpo comiéndose teléfonos y bebiendo tinta china en situaciones ambientadas en la soleada Florida, que se escapan a cualquier atisbo de cordura y razón.

La acción del título padece en algunos momentos de su naturaleza teatral, el aspecto técnico es bastante pobre y el argumento resulta formulario, pero el beneficio derivado del derroche de hilaridad disfrutado gracia al estrambótico humor de estos genios es incalculable, ilustrado aquí con sublimes escenas cómicas como la de la explicación de Groucho a Chico sobre su proceder en la subasta de fincas o la posterior y divertidísima puja, dos indelebles momentos de esta gran pieza cómica, que permanecerán en la memoria de los buenos aficionados a la filosofía marxista.

AlohaCriticon



martes, 22 de mayo de 2007

El verdugo


Año: 1963
Duración: 87 min.
País: España
Director: Luis García Berlanga
Guión: Rafael Azcona, Luis García Berlanga, Ennio Flaiano
Música: Miguel Asins Arbó
Fotografía: Tonino Delli Colli (B&W)
Reparto: José Isbert, Nino Manfredi, Emma Penella, José Luis López Vázquez, Ángel Álvarez, María Luisa Ponte, María Isbert, Julia Caba Alba
Productora: Coproducción España-Italia; Naga Films (Madrid) / Zabra Films (Roma)
Género: Comedia negra

Sinopsis: José Luis, empleado en una funeraria, está pensando en emigrar a Alemania para convertirse en un buen mecánico. Enamorado de Carmen, hija de Amadeo, un «administrador de justicia» que parece tener soluciones para todo, será sorprendido con ella en la intimidad, por lo que se ven obligados a casarse. Ante la acuciante falta de medios económicos y la necesidad de buscar un piso para fundar el nuevo hogar, Amadeo, que está a punto de jubilarse, convence a José Luis para que solicite la plaza de verdugo que va a dejar vacante, y con la que tendrá derecho a una vivienda. Basta con que José Luis herede la profesión de su suegro. Esa es la única condición que pone el Patronato de la Vivienda. Presionado por la familia, José Luis acepta y, convencido de que jamás ejercerá, se hace verdugo. Mientras no hay ejecuciones, la vida en la casa nueva transcurre plácidamente, pero un día llega el temido telegrama: debe ajusticiar a un condenado en Mallorca. La posibilidad de un indulto es su única esperanza.

Isbert ejecuta y se jubila para delirio del espectador, mientras la flaqueza de las piernas de su yerno se convierte en uno de los mejores alegatos contra la pena de muerte jamás vistos en una pantalla de cine. Cruelmente divertida, paradigma del humor negro español, "El verdugo" es, probablemente, la mejor comedia española de todos los tiempos. Isbert, Azcona y Berlanga en estado puro.

(Pablo Kurt: FILMAFFINITY)


lunes, 23 de abril de 2007

Qu es DominiPublic

dominipublic.blogspot.com

Es un blog dedicado a la difusión de cine clasico, tanto español como internacional, subiendo y buscando las mejores y necesarias peliculas.
Sin ningun tipo de animo de lucro, solo difusion cultural.

cine online divx online streaming peliculas online

jueves, 19 de abril de 2007

Muerte de un ciclista - J.A. Bardem (1955)


Nacionalidad: España.
Guión y Dirección: Juan Antonio Bardem.
Argumento: Luis Fernando de Igoa.
Director de fotografía: Alfredo Fraile.
Música: Isidro B. Maiztegui, José Luis
Montador: Margarita Ochoa.
Productor: Manuel J. Goyanes.
Decorados: Enrique Alarcón.
Formato: 35 milímetros. B/N.
Duración: 88 minutos.
Lugares de rodaje: Madrid.
Estreno: 09-09-1955, Madrid: Gran Vía.
Espectadores: 37.287. Recaudación: 97.879,20 €.
Empresa distribuidora: Suevia Films, Cesáreo González, S.A., y Trionfalcine.
Fecha de autorización: 25 de abril de 1955.
Intérpretes: Lucía Bosè (Mª José), Alberto Closas (Juan), Bruna Corra (Matilde), Carlos Casaravilla (Rafa), Otello Toso (Miguel), Alicia Romay (hermana de Juan), Julia Delgado Caro (Madre de Juan), Manuel Alexandre (Ciclista), Fernando Sancho (Guardia), Matilde Muñoz Sampedro, Mercedes Albert, José Sepúlveda, José Prada, Jacinto San Emeterio, Manuel Arbó, Emilio Alonso, Margarita Espinosa, Rufino Inglés, Antonio Casas, Manuel Guitián, Elisa Méndez, José María Rodríguez, Carmen Castellanos, José María Gavilán, José Navarro, Gracita Montes, Manuel Rojas.

Muerte de un ciclista, que, pese a su voluntad de sortear la censura franquista, recibió la calificación de "gravemente peligrosa", se estrenó fuera de concurso en Cannes, donde obtuvo el premio de la Crítica Internacional del Festival.

La aparente simplicidad argumental del filme hace pensar que su exhibición pudo estar exenta de dificultades. Sin embargo, el simbolismo que encierra, despertó el recelo de las autoridades, y de no haber sido por la colaboración del productor Manuel Goyanes, quien involucró a varias compañías para acometer este proyecto, difícilmente se habría rodado este filme. Bardem ya contaba con Alberto Closas, y la productora italiana Trionfalcine aportó, por su parte, a Lucía Bosè.
La mayor parte del rodaje transcurrió en los estudios Chamartín, en Madrid y en sus alrededores.

Finalizado el festival de Cannes, Bardem participó en las Conversaciones Nacionales Cinematográficas de Salamanca, durante el transcurso de las cuales, se debatió sobre la situación estructural del cine español. Juan Antonio Bardem y Basilio Martín Patiño resumían conjuntamente las conclusiones de aquel congreso subrayando que "cuando el cine de todos los países concentra su interés en los problemas que la realidad plantea cada día, sirviendo así a una esencial misión de testimonio, el cine español continúa cultivando tópicos conocidos. El problema del cine español es que no es ese testigo que nuestro tiempo exige a toda creación humana". Bardem fue aún más lejos en su valoración de tan significativo encuentro cuando declaró que "el cine español es políticamente ineficaz, socialmente falso, intelectualmente ínfimo, estéticamente nulo e industrialmente raquítico".

No hay que olvidar que el cine franquista, aunque cualitativamente era inferior a otras cinematografías nacionales, tenía una clara finalidad propagandística, y los pocos que evitaban deliberada y solapadamente la censura, pasaron a la posteridad como testigos excepcionales de su tiempo que, no sólo se resistieron a asumir como propios los principios del régimen, sino que, además, lo pusieron en entredicho, simplemente mostrando su lado oscuro.

Cinefania








Ver en Youtube.

martes, 13 de marzo de 2007

Obsesión - Ossessione

Dirección: Luchino Visconti
Guión: Luchino Visconti, Mario Alicata, Giuseppe De Santis
Fotografía: Aldo Tonti, Domenico Scala
Escenografía: Gino Franzi
Vestuario: Maria De Matteis
Música: Giuseppe Rosati
Montaje: Mario Serandrei
Italia, 1943
Duración: 135’
Producción: I.C.I.
Reparto:
Giovanna Bragana: Clara Calamai
Gino Costa: Massimo Girotti
Giuseppe Bragana: Juan De Landa
Anita: Dhia Cristiani
lo Spagnolo: Elio Marcuzzo


Gino Costa es un joven desocupado. Un día, vagabundeando, llega a una casa de campo habitada por el viejo Giuseppe Bardana y su joven esposa Giovanna. Atraída por Gino, Giovanna convence al marido de que lo tome como dependiente en su tienda de ultramarinos. Poco después los dos se convierten en amantes. A oscuras del marido, Gino intenta organizar una fuga con Giovanna, que se niega en medio de un mar de dudas. Decepcionado, parte hacia Ancona y en el camino conoce a un viajero español que le propone continuar la marcha juntos. Pasan los días; el amor por el canto lleva a Giuseppe a Ancona, acompañado de su mujer, para participar en un concurso lírico. Los tres se encuentran y entre los dos jóvenes vuelve a estallar el fuego de la pasión. Pese a la ingenua benevolencia de Giuseppe, que propone a Gino volver a la tienda, el joven y Giovanna comprenden que el único modo de estar juntos es que el viejo Bardana desaparezca. Urden entonces un accidente de carretera, en el cual Giuseppe pierde la vida. Pero la pareja, devorada por la culpa, termina por separarse. Gino se marcha a Ferrara y abandona a Giovanna por una modesta bailarina, Anita, convencido de que aquélla lo había engañado buscando solamente cobrar el seguro por la muerte de su marido. Giovanna, sola y amargada, revela a Gino que está esperando un hijo suyo y lo obliga a volver a ella. La policía los descubre. Los dos cómplices intentan una última y desesperada fuga pero el coche derrapa y se sale violentamente de la calzada. Giovanna muere en el accidente y Gino cae en manos de las fuerzas del orden.


Yunost Maksima - La juventud de Máximo


Nombre original de la Pelicula: Yunost Maksima
Año de producción: 1934
País: U.R.R.S.
Dirigida por: Grigori Trauberg Kozintsev
Guion: Grigori Trauberg Kozintsev
Musica por: Dmitri Shostakovich
Fotografia: Andrei Moskivin

Primera película de la 'trilogía Máximo' filmada por los cineastas soviéticos Grigori Kozintsev y Leonid Trauberg entre 1935 y 1939. Con banda sonora de Shostakovich, narra la toma de conciencia revolucionaria de un obrero fabril en la Rusia zarista.


domingo, 11 de marzo de 2007

Atraco A Las Tres - José María Forqué - 1962

Año: 1962
Género: Comedia
Nacionalidad: España
Director: José María Forqué
Actores: Manuel Alexandre, Rafaela Aparicio, Manuel Díaz González, Lola Gaos, Agustín González, Alfredo Landa, Katia Loritz, José Luis López Vázquez, Paula Martel, Gracita Morales, José Orjas.
Guión: Vicente Coello, Rafael J. Salvia
Fotografía: Alejandro Ulloa
Música: Adolfo Waitzman
Duración: 89 minutos.





Atraco a las tres es una película española dirigida por José María Forqué en 1962. Es una película mítica del cine español, en la que con suma maestría José María Forqué consigue sortear la censura de la época, presentando una crítica mordaz a la sociedad española del momento, sus carencias, miserias y jerarquización; envuelto en humor negro y con un desenlace dulzón e ingenuo, muy al gusto de la época.

Fernando Galindo, el cajero de un banco, consigue convencer a sus compañeros de trabajo para desvalijar su propia sucursal fingiendo un atraco, tras el despido de don Felipe, su estimado director, y para resarcirse de sus sueldos miserables y malas condiciones laborales. Preparan el atraco minuciosamente durante días al estilo de las películas del cine negro, pero finalmente el plan se frustra porque el día elegido para el simulacro de atraco se presentan unos atracadores de verdad, que habían recibido el soplo de Katia Durán, una vedette de la que Galindo se ha enamorado y a la que había confesado sus intenciones.

Producción

Pedro Masó se había fijado siempre en el cine italiano para realizar sus películas, y decidió utilizar la parodia de Rififi de Julius Dassin titulada Rufufú da el golpe que dirigió Macio Monicelli de para escribir la historia, pensado que la historia podía tener otra «vuelta de tuerca». Tardó en escribir el libreto de 120 páginas 9 días durante la madrugada. Tras hacerlo, para que la historia tuviese sentido, decidió contar con sus colaboradores habituales, Vicente Coello y Rafael J. Salvia. Como director Masó decidió contratar a José María Forqué quien tuvo que incorporarse a última hora, ya que por aquel entonces tenían muchos proyectos.

Para el papel de Castrillo habían querido tanto Forqué como Masó que lo hiciera Manolo Gómez Bur, sin embargo el actor no pudo hacerlo al comprometerse con otra película. Entonces vieron una comedia de Javier Poncela donde actuaba Alfredo Landa y decidieron contratarle. Para el resto de papeles contraron a actores jóvenes como Agustín González, Gracita Morales y Manuel Alexandre, dando el papel más importante a José Luis López Vázquez al ser un actor ya consagrado]].

A la hora de comercializarla, a los distribuidores «no les gustó absolutamente nada, les pareció una broma tonta». Por ello su director se marchó desilusionado a París donde leyó en el ABC que la película había sido un éxito en taquila. Para el cartel de la película se contrató como diseñador a Francisco Fernández Zarza.

Recepción

A pesar de ser un éxito en taquilla en su momento, está mejor valorada en la actualidad que por la crítica de la época. Aunque la crítica del momento la valoró positivamente Florentino Soria diciendo que «la parodia discurre por cauces tan sorprendentes como divertidos sin que falte una crítica condescendiente y cierto leve tono patético que envuelve el disparate», la críticas actuales valoran la película como una película emblemática de la mejor comedia española, el crítico de El País Diego Galán valoró la película como una de las comedias españolas mejor cuadradas debido al alto nivel de sus intérpretes y su modesta propuesta que tuvo fáciles resultados.

Fuentes de informacion: Wikipedia.



Ver en Youtube.
Ver en GoogleVideo.

La Torre de los Siete Jorobados - Edgar Neville - 1944


País: España.
Año: 1944.
Director: Edgar Neville.
Guión: José Santugini y Edgar Neville en base a la novela de Emilio Carrere.
Producción: Luis Judez y Germán López.
Fotografía: Enrique Berreyre.
Intérpretes: Antonio Casal (Basilio Beltrán), Isabel de Pomés (Inés), Julia Lajos (Madre de La Bella Medusa), Guillermo Marín (Doctor Sabatino), Félix de Pomés (Don Robinson de Mantúa), Julia Pachelo (Braulia), Manolita Morán (La Bella Medusa), Antonio Riquelme (Don Zacarías), Emilio Barta, Manuel Miranda, Antonio J. Estrada, Julia García Navas, Luis Latorre, Rosario Royo, Francisco Zabala, Luis Ballester, Natalia Daina, Carmen García, José Arias, José Franco y Antonio Zaballos.
Productora: Producciones Luis Judez; German López España y J. Films.
Duración: 81 minutos.
Música: José Ruíz de Azagra.Cartel
Rodada: En 35 milímetros.
Código de color: Blanco y negro.
Escenografía y decorados: Pierre Schild de “S.E.S.”.
Fecha de estreno en Madrid: 23 de noviembre de 1944, en el cine Capitol.
Permanencia en cartel: 7 días.
Clasificada de 2ª categoría
Constructor de decorados: Francisco Canet Cubel.



viernes, 9 de marzo de 2007

La Vida en un Hilo - Edgar Neville - 1945


Dirección: Edgar Neville
Argumento: Obra teatral homónima de Edgar Neville
Guión: Edgar Neville, Henry Barreyre
Música: José Muñoz Molleda
Montaje: Mariano Pombo
Decorados: Sigfrido Burmann
Intérpretes: María Bru, César de Nueda, Rafael Durán, Enrique Herreros, Josefina de la Torre, Julia Lajos, Juanita Manso, Guillermo Marín, Joaquina Maroto, Conchita Montes, Eloisa Muro, Manuel Ocaña, Julia Pacheco, Manuel París, Joaquín Roa, Alicia Romay, Rosario Royo, María Seco
Distribución: Los Films del Buho
Estreno: 26 de abril de 1945. Madrid





Una joven emprende un viaje después de la muerte de su marido. En el tren coincide con una vieja adivinadora de un circo. Para pasar el rato, la adivinadora le narra a la viuda la vida que llevó con su esposo, un hombre bueno y aburrido, en contraste con la que pudo haber llevado con otro individuo, simpático y atento, que la quería.

Comentario:
Una de las comedias más importantes del cine español de los años cuarenta. Conoció una segunda versión, “Una mujer bajo la lluvia”, dirigida por Gerardo Vera
en 1991.

Cita:
“Allá por el año 1944 se me ocurrió de repente un argumento. Era “la vida en un hilo”. Siempre me ha preocupado la influencia decisiva que tiene la casualidad en nuestras vidas, en cómo cambia el curso de éstas el hecho fortuito de mirar a la derecha en vez de mirar a la izquierda al cruzar una calle, el retrasarse en dos minutos al ir a un sitio, cualquier circunstancia imprevista que le haga a uno conocer o no conocer a una persona. En fin, una variante sobre las pequeñas causas y los grandes efectos”. (Edgar Neville en “Teatro”. Editorial Biblioteca Nueva. Madrid,1955).


“Supone la asunción – no mecánica, sino matizada y españolizada, en el mejor sentido – de la gran comedia americana, la crítica de una sociedad sin mensajes obvios, sin tesis machaconas, sin ese compromiso a flor de piel que caracteriza el peor cine, el llamado, entre comillas, cine social” (Carlos y David Pérez Merinero en “Cine español: algunos materiales para el derribo”, Ed. Cuadernos para el diálogo, 1973).


“Se trata de una alta comedia sobre el tema del azar, con una ingeniosa estructura narrativa, en la que se combinan el presente, el pasado real y el pasado que pudo ser y no fue. Otra de sus virtudes consiste en alinearse decididamente contra la hipocresía y el aburrimiento, que según la película llevan a la muerte por pulmonía doble”. (Fernando Méndez-Leite en “Historia del cine español en 100 películas”. Guía del Ocio. Madrid, 1975).


“Una de las obras fundamentales de Edgar Neville es “La vida en un hilo”. Cuenta la historia de lo que fue y de lo que pudo ser a causa de una mala jugada del destino que, en contra de lo que suponemos, nunca se nos presenta de forma trascendental, sino oculto bajo el juego casi imperceptible de las circunstancias. Lejos de filosofar a la manera de no pocos grandes maestros de la comedia cinematográfica, Edgar
Neville hace y deshace el enredo de su película cara al público, con la elegancia de un poeta y con la sabiduría de un malabarista. “La vida en un hilo” es, en su género, una obra excepcional”. (Emilio Sanz de Soto en “Cine español 1896-1983″. Dirección General de Cinematografía. Madrid, 1984).


“Frente al habitual pintoresquismo de otras de sus más celebradas producciones donde se hace eco de un apasionado costumbrismo, próximo al más puro sainete, con “La vida en un hilo”, Neville se aproxima a las circunstancias, fastuosidades y miserias del momento en un claro intento por hacer suyo un nuevo estilo de narraciones populares y castizas. En cierto modo, sin dejar de ser algo así como un sainete encubierto y modernizado, la película tiende a situarse en el género de la alta comedia al que Neville llega pleno de sutileza e ingenio (…) Logra el realizador una obra hábilmente resuelta, en la que se contienen los elementos esenciales que dan consistencia al género. Es decir, el triángulo amoroso, el enredo de situaciones, las acciones casuales, el entorno no exento de sobrio refinamiento, etc. Pero a un mismo tiempo, el film alcanza una dimensión crítica de extraordinaria significación social”. (Enrique C. García Fernández en “Historia ilustrada del cine español”. Editorial Planeta. Barcelona, 1985).

Premios: 1945; Círculo de Escritores Cinematográficos, Mejor Guión, Edgar Neville


Fuentes de información: Cinemateca nacional, Wikipedia.



Ver en Youtube.
Ver en GoogleVideo.

miércoles, 7 de marzo de 2007

SURCOS (1951)


Director: José Antonio Nieves Conde.
Intérpretes: Luis Peña, María Asquerino, Francisco Arenzana, Félix Dafauce.
País: España
Año: 1951

Una familia de agricultores, los Pérez, dejan el campo para emigrar a Madrid.
En la gran ciudad sus diferentes miembros intentarán mejorar sus condiciones de vida.

Una cruda y hasta virulenta mirada al éxodo rural de los años 50 es la que establece su director en este relato que muestra las vivencias de una familia de campesinos en un valioso ejemplo de neorrealismo a la española.
La película, planteada de forma coral, examina profundamente el enorme trasvase de población sufrido en ese período del campo a la urbe con sus consecuentes problemas: el hacinamiento en barriadas o la dificultad de adaptación a un nuevo puesto laboral y a la propia vida urbana.

Todas las esperanzas que en el camino se han hecho colisionan fuertemente con la brusca realidad, una realidad social repleta de vividores y manipuladores, egoísmos en busca de placer y dinero que obstaculizan la contínua lucha que se establece no ya por un futuro mejor, sino por el más simple instinto animal de supervivencia.

Un film valiente que topó con varios problemas con la censura, a pesar de ser declarado de interés general (con ese rango conseguía una subvención del 50% de su coste) que es narrado con sensibilidad y talento por Nieves Conde.

Grandes interpretaciones para una obra maestra que supone todo un estupendo tratado sociológico y económico de la época.

Disponible gracias al blog amigo:
Naranjas de Hiroshima


José Antonio Nieves Conde (* Segovia, 22 de diciembre de 1911;† Madrid, 14 de septiembre de 2006) cineasta y periodista español, director de largometrajes como 'Surcos', 'Angustia' y 'Balarrasa'.

Al terminar la guerra volvió a Segovia donde trabajó en prensa y radio, hasta que regresó a Madrid para convertirse en crítico de cine del diario 'Pueblo' y entre 1939 y 1942 fue redactor de la revista de cine 'Primer Plano', donde era responsable de la sección 'Fuera de cuadro'.

Amigo de Fernández-Cuenca, Gómez Mesa y Rafael Gil, fue con este último con quien se inició profesionalmente en el cine en 1941, como ayudante de dirección en cinco de sus películas hasta 1946, con títulos como 'Viaje sin destino' y 'Tierra sedienta'.

Desde 1942 en que abandonó 'Primer Plano' y 'Pueblo', al parecer por desavenencias con la dirección, se dedicó profesionalmente al cine.

Dirigió su primera película, 'Senda ignorada', en 1946, una historia de gángsters situada en Estados Unidos, a la que siguió 'Angustia' (1947), con Rafael Bardem y Julia Caba Alba, también policiaca y declarada de "interés nacional", y 'Llegada la noche' (1948).

En 1950 dirigiría 'Balarrasa', con guión de Vicente Escrivá y con actores como María Rosa Salgado, Maruchi Fresno, Luis Prendes y José Bódalo, que supuso su primer gran éxito popular y económico, y fue también catalogada de interés nacional; y 'Jack el negro' (1950), codirigida con Julien Duvivier.

Nieves Conde llegó a la cumbre de su carrera como cineasta en 1951, tras rodar 'Surcos', un filme, con guión de Natividad Zaro y Gonzalo Torrente Ballester a partir de un argumento de Eugenio Montes, que está considerado como una de las grandes películas de cine español, con Luis Peña y María Asquerino como protagonistas.

'Surcos' causó polémica en su momento y fue atacada por la Iglesia al rozar temas tabú de la época como la miseria, el estraperlo y el éxodo rural, por lo que tuvo que cambiar el final antes del estreno. Con ella consiguió el segundo Premio Nacional del Sindicato del Espectáculo y el primer premio del Círculo de Escritores Cinematográficos, pero no alcanzó el éxito comercial que merecía.


Wikipedia

Jean Vigo

Jean Vigo nació en París el 24 de abril de 1905 y murió también en París el 5 de octubre de 1934. Hijo de un periodista y militante anarquista catalán -Miguel Almereyda; en realidad Eugène-Bonaventure de Vigo- muerto ahorcado en una prisión francesa en 1917. En su infancia y adolescencia estuvo en un internado de Milla y quizás por las malas condiciones de vida que tuvo allí, contrajo tuberculosis en su juventud, por lo que se instaló en Niza. En esta ciudad fue ayudante en un estudio fotográfico y posteriormente parte muy activa del cineclub de Niza, lo que le procuró contacto con experimentadores cinematográficos de todo el mundo.

En 1929 Jean Vigo invitó a Boris Kaufman (hermano de Dziga Vertov) para trabajar con él y realizaron la obra: “Sobre Niza” ( À Propos de Nice -1930-). Puede definirse como una visión sobre una sociedad superficial en proceso de putrefacción. En esta corto mudo, y por regla general, cuando trabajaban juntos, Kaufman filmaba y Vigo dirigía. Con frecuencia Vigo llevaba a Kaufman a pasear en silla de ruedas con una cámara entre las piernas y tapada por una manta (la silla de ruedas pasaba desapercibida en una ciudad como Niza). Así eran capaces de filmar a las personas sin que se diesen cuenta, que era lo que ambos buscaban porque eran partidarios de la teoría kino-pravda (cine-verdad).

À Propos de Nice



Luego realizó el documental sobre el campeón de natación Taris.



Zero de condutei, 1933, es su primer largo y relata el conflicto entre estudiantes y profesores en un internado. Este film fue censurado por considerarlo sedicioso.



El último film que hizo fue la historia de amor LÀtalante. Al poco de realizarla murio con 29 años.


Secuencia final. Michel Simon va chercher la patrone. No disponible entera, por ahora.


A pesar de su escasa filmografía Jean Vigo es considerado uno de los mejores cineastas franceses.


Jean Vigo y el documental social

Pero yo querría hablaros de un cine social más concreto, y del que me hallo más próximo: del documental social, o dicho con más exactitud, del punto de vista documentado. En este terreno a investigar, afirmo que el tomavistas es rey o al menos presidente de la República. Ignoro si el resultado ser una obra de arte, pero de lo que sí estoy seguro es de que será cine. Cine, en ese sentido de que ningún arte, ninguna ciencia, puede desempeñar su función.

El señor que hace documentales sociales es ese tipo suficientemente flaco como para introducirse por el agujero de una cerradura rumana y capaz de filmar al salir de la cama al príncipe Carol en camisón, admitiendo que fuese un espectáculo digno de interés. El señor que hace documental social es este buen hombre lo bastante diminuto como para apostarse bajo la silla del croupier, gran dios del Casino de Montecarlo, lo que, podéis creerme, no es nada fácil.

Este documental social se diferencia del documental sin más y de los noticiarios semanales de actualidades por el punto de vista defendido inequívocamente por el autor. Este documental exige que se tome postura, porque pone los puntos sobre las íes. Si no implica a un artista, por lo menos implica a un hombre. Una cosa vale la otra. El tomavistas estará dirigido a lo que debe ser considerado como un documento y que, a la hora del montaje, ser interpretado como tal documento.

Kinoki

Donde Acaban los Caminos


Año: 2004
País: Guatemala
Director: Carlos García Graz.
Intérpretes: Giacomo Buonafina y Andrea Rivera.
Música: Jorge e Igor Sarmientos.
Basada en la obra del mismo nombre, escrita por Mario Monteforte Toledo, Donde Acaban los Caminos nos regresa a la “Guatemala de antes” para contar la historia de un doctor que llega a un pueblo alejado de la ciudad para ejercer su profesión. Allí la división entre las razas ladinas e indigenas estaba muy marcada, no importandole al doctor que atendía a cualquier persona en su clínica. Así mismo ayuda a curar una epidemia de Tifus en una aldea indigena ubicada en las montañas convenciendo a los habitantes de quemar sus casas para evitar la expansión de la misma. En dicha aldea conoce a Maria, una joven indígena de 17 años de quien se enamora. El romance trae problemas para el doctor cuando los rumores de su relación inician. También María se ve envuelta en problemas al ser rechazada junto a su familia en su aldea indígena. Estos problemas alejan a los protagonistas regresándolos a su entorno. Sin embargo, fruto de ese amor surge un hijo que María niega a el Doctor para evitar que sigan juntos. El final muestra como en dicho hijo se fusionan los ladinos con indigenas, aunque el rechazo de sus sociedades deja a María en total soledad, mientras que el doctor rehace su vida con otra señorita de la alta sociedad del pueblo.

miércoles, 21 de febrero de 2007

Vertov - Kinoapparatom - Kinoglaz

Celovek´s Kinoapparatom (El hombre de la cámara)


El hombre de la cámara de cine está compuesta de cientos de escenas de la actividad cotidiana de San Petersburgo, la mayoría tomas callejeras pero también del trabajo y vida doméstica, unidas en una zaga donde la ciudad moderna y la cámara del cine comparten los papeles protagonistas. Trozos de la realidad tomados de improvisto (Vertov los llamaba kino-fraza, “frases fílmicas”) que alternándose unos a otros en una rápida sucesión trazan una especie de alegoría real que identifica el vértigo de la modernidad urbana y sus contrastes sociales y económicos, con el proceso mismo de la documentación y edición cinematográfica. Obsesionado con la movilidad y velocidad, y heredero de la fascinación tecnológica de los futuristas y constructivitas, Vertov puso en evidencia la relación entre el mecanismo del cine, la nueva intensidad de la productividad industrial y el ritmo enloquecedor que automóviles, trenes y tranvías impusieron a hombres y mujeres en el siglo XX.


Está es la última versión que se ha editado, con la banda sonora a cargo de The Cinematic Orchestra.


Kinoglaz - Kinoeye - Kino-ojo

Este documental se centra alrededor de las actividades de los jóvenes en una aldea del soviet. Estos niños y niñas están constantemente ocupados, pegando carteles de propaganda en las paredes, incitando a todos para que "compren en la cooperativa" ayudando a viudas pobres....

Las partes experimentales de la película, proyectadas hacia atrás, ofrecen la matanza de un toro (empieza cuando lo matan y acaba cuando pasta libre en el campo) y de una hornada del pan. Que en la época que fueron filmadas debieron causar onda impresión.




No tiene acceso directo a blogs, para verla pincha aqui:
http://video.google.es/videoplay?docid=8007794942474987544&q=Kinoglaz


Las dos estan subidos por esa grán página amiga del cine en dominio público: www.cinematografo.com.br

martes, 20 de febrero de 2007

Serguéi Eisenstein

Cuando contaba 25 años, Eisenstein puso fin a su carrera teatral, al ver la artificiosidad del resultado en su montaje de Máscaras de gas, donde, según sus propias palabras "el carro se rompió en pedazos y el conductor se cayó de cabeza en el cine". Esto hizo que dejara el teatro y se centrara en el medio que le dio prestigio internacional, el cine.

Eisenstein fue un pionero en el uso de la edición en el cine. Para Eisenstein la edición no era un simple método utilizado para enlazar escenas, sino un medio capaz de manipular las emociones de su audiencia. Luego de una larga investigación en el tema, Eisenstein desarrolló lo que llamaría montaje. Sus publicaciones al respecto serían luego de gran influencia para varios directores de Hollywood.

Eisenstein no utilizaba actores profesionales para sus películas. Sus narrativas evitaban el individualismo y en cambio eran dirigidas a cuestiones más amplias de la sociedad, especialmente a conflictos de clases. Sus actores eran por lo usual personas sin entrenamiento en campo dramático tomadas de ámbitos sociales adecuados para cada papel.

Su principal mensaje político se basó en la organización, la participación y la lucha: "Únanse, griten y peleen, que en cada una y uno de vosotros existe el poder de sus actos, vivan conscientes del poder que hace la unión".

Sus ideales comunistas lo condujeron en varias ocasiones a conflictos con oficiales del régimen de Iósif Stalin. Stalin era consciente del poder del cine como medio de propaganda, y consideró a Eisenstein como una figura controvertida. Su popularidad se profundizó más tarde con el éxito de sus películas, entre ellas El acorazado Potemkin (1925), considerada la mejor película de todos los tiempos.

Wikipedia

El acorazado Potemkin

El acorazado Potemkin (Броненосец Потемкин, o Bronenosets Potyomkin, en ruso), es una película dirigida por el cineasta ruso Serguéi Eisenstein. Es una de las grandes películas de la historia del cine.


Con Subt. en castellano.

El genio de hacer esta obra de arte fue el director Eisenstein a quién se le encargó en 1925 para elevar el espíritu de la revolución social creada en 1917 por la revolución bolchevique.

El acorazado Potemkin es una obra que significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. Tras la genialidad de Griffith en el trabajo de escala de planos, Einsenstein observa otra función que puede realizar la cámara, introduciendo inclinaciones de cámara que dan como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata.

Por otro lado, se trata de una película que refleja el espíritu de la época en que es realizada, donde todo elemento es utilizado como propaganda para la legitimación ideológica de una revolución naciente. En este sentido es valorable la exaltación del hombre común, sobre todo del oprimido que decide romper sus cadenas.

Tomado de Wikipedia


Alexander Nevsky (1938)




This Soviet film portrays the struggle of Prince Alexander Nevsky and the citizens of Novgorod against invasion by the knights of the Crusading Order of the Teutonic Knights, culminating in the epic battle on the ice of Lake Chudskoe (Peipius). Prince Alexander Nevsky was later canonized by the Russian Orthodox Church and became a Russian national hero. This film was produced on the eve of World War II and alludes to the threat of Nazi Germany (note the swastikas on the Catholic bishop's mitre). Its showing was suppressed during the period of German-Soviet Non-Agression pact (9/39 to 6/41), but revived after the Nazi invasion. It was directed by Sergei Eisenstein with Nikolai Cherkasov in the title role.

Oktyabr - October


Con Subt. en castellano.

Ivan the Terrible, Part 1 (1944)

Ivan the Terrible, Part 2 (1946)


La Huelga

Kurosawa

Colección de películas de Kurosawa en Dominio Publico, libre de derechos. Eso sí, en japones con subtítulos en ingles. Es lo que hay.



Rashomon (1950)


Aka "In the Woods" and "Rashômon". "A heinous crime and its aftermath are recalled from differing points of view." Directed by Akira Kurosawa, written by Ryunosuke Akutagawa and Akira Kurosaw, 1950. English subtitles. Film in public domain available at archive.org



Sugata Sanshiro (1943)

This Akira Kurosawa film depicts the early life of one of the pioneers in development of the martial art known as Judo in the late 19th ... todos » century. Judo one of the first of the Asian martial arts to be introduced in the west. The film also offers fascinating glimpses of Japan in the throes of modernization and westernization.

Tierra y Libertad - Land and Freedom


Bueno, se colo otra peli con derechos. Pero esta en GoogleVideo, y que le vamos a hacer, mientras este tenemos todo el derecho del mundo a disfrutarla.
Esta en version original sin subtitulos. Casi todo transcurre en españa, pero si no entiendes ni papa de ingles te perderas cosas importantes.



Spanish and English, downloading a subtitles program a good idea. Land and Freedom, British director Ken Loach's film about the Spanish Civil War of 1936-39, says something quite different. It says that the present state of affairs was not inevitable, and that the working class is capable of uplifting and liberating itself. It says further that the cause of the failure of the Soviet Union lay not with socialism, but Stalinism.

viernes, 9 de febrero de 2007

Detour - Edgard G. Ulmer (1945)


Runtime: 67 min
Country: USA
Language: English
Color: Black and White
Sound Mix: Mono (Western Electric Sound System)
Certification: Australia:M (DVD rating) / USA:Approved (PCA #11048) / Australia:G



Great Drama to share download and save for your personal collection...Check out our daily podcast for more retro entertainment with news, commentary, New York theater reviews and political analysis Monday-Friday.

Una de nuestras peliculas favoritas de cine negro de SerieB, por desgracia como casi todas, solo en ingles, sin subtitulos.

jueves, 8 de febrero de 2007

Los Ultimos de Filipinas


1945 (España)
Géneros: Bélico, Cine español
Actores: Armando Calvo, Fernando Rey, Jose Nieto
Director: Antonio Roman
Música: Manuel Parada
Escrita por: Juan de Pedro, Antonio Roman
Fotografía: Enrique Guerner
Prod:
CEA (España) Alhambra Films España)



Argumento: Al advertir que los tagalos de su distrito planean un insurrección, el comandante del destacamento español en Baler, Filipinas, da la orden a sus tropas de atrincherarse en la iglesia del pueblo. Durante esta reclusión que se prolonga casi un año, se van sucediendo episodios que manifiestan la tenacidad y el heroísmo de los españoles.




Lista de Espera

Dirigida por Juan Carlos Tabío, con Vladimir Cruz, Thaimi Alvariño, Jorge Perugorría, Saturnino García, Alina Rodríguez, Antonio Valero.

España-Cuba-Mexico. 2000

Lista de espera nos sitúa en una estación de ómnibus en el medio de la nada. O mejor, en el centro de una encrucijada. A un costado el mar Caribe, con las aguas azules y las arenas blancas que año tras año convocan a millares de turistas. A su lado, esa peculiar versión de la pobreza, o de la escasez extrema, que campea en Cuba: muy de tanto en tanto pasa una guagua (así les dicen a los autobuses) por la estación; y las pocas que pasan vienen completas o con un solo asiento libre, lo que desata feroces pujas entre los que ansían regresar a casa. La gente, cuyo destino es La Habana o Santiago de Cuba, se acumula en la terminal. Y espera. La terminal tiene su propia guagua –una añosa cafetera importada de la "órbita soviética"– pero está fundida. O lo que es igual: carece de una pieza que los checoslovacos ya no envían más.




El punto de partida del quinto largometraje de Juan Carlos Tabío (codirector de Fresa y chocolate junto al también cubano Tomás Gutiérrez Alea) es sumamente interesante. Recrea uno de los típicos calvarios de la Cuba actual: en las terminales reales las personas se agolpan kafkianamente para soportar largas esperas como esta. El film también se apoya en una ecuación fatal: la escasez de medios frente a necesidades múltiples provoca conflictos entre los seres humanos. Y la necesidad de transportarse no es moco de pavo, sino la condición para comer y descansar en forma (en una mesa y una cama propias, las de casa). Como si percibiera que esa dignidad esencial es lo que la larga espera pone en jaque, alguien grita a poco de iniciado el film: "¿Este es un país socialista o capitalista?" De algún modo, todo lo que resta de Lista de espera intentará dar con la respuesta. En este sentido, el gran mérito de la película –que es bastante despareja y larga– es que se interroga con mucha franqueza. Más aun: Tabío parece haber notado que, al final de cuentas, no es tan sencillo responder esa pregunta. Pero eso no lo priva de formularse otras preguntas en el camino, ni de tomar posición. Es decir, de aportar respuestas, pequeñas y/o parciales, pero respuestas al fin. Hay que aclarar ya mismo que esta impresión surge de la totalidad del film, y muy especialmente de su tramo postrero (ulterior a una vigorosa vuelta de tuerca) y no de cada una de sus partes sueltas, algunas de las cuales están llamadas a irritar, o cuanto menos a fatigar al espectador. Vamos, lo que estoy diciendo es que esta no es una obra maestra sino una obra irregular, pero valiente y fresca.


No esta en "Dominio Público", pero alguien la colgo en GoogleVideo.Mientras dure...

Fresa y Chocolate


Introducción
Es una película basada en el cuento del escritor Senel Paz quien dice "cuando en 1990 escribí el relato El Lobo, el bosque y el hombre nuevo, no podía sospechar que la historia y los personajes emprendían una larga travesía por distintos lenguajes artísticos: cine, teatro y artes plásticas". Inicialmente, el relato comenzó a conocerse por transmisión oral a través de sus lecturas y las de otros compañeros, y en grabaciones que circularon en cassettes por todo el país. Hasta que el texto fue editado por el Ministerio de Cultura de Cuba con una tirada reducida y una edición modesta pero muy bella, con ilustraciones de Zaida del Río. Luego apareció en la revista Orión, de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNRAC), y siguió circulando en fotocopias. Mucha gente piensa que este relato es el documento más fotocopiado de la historia cubana. Más tarde vino la película Fresa y Chocolate filmada por Tomas Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabio, para quienes el mismo Senel Paz escribió el guión.

Sinopsis Fresa y Chocolate toma lugar en La Havana, CUBA durante 1970. La película se centra en el papel de David, un estudiante universitario diligente, correcto pero homofóbico para quien sus conceptos de que es bueno y que es malo se ponen en dilema al hacerse amigo de Diego (Jorge Perugorria), un artista homosexual. A pesar que se desarrolla en una sociedad totalmente machista, la película se centra en la relación entre estos dos hombres y cómo lo que antes fue irrespeto y antagonismo cambia a una relación de admiración y tolerancia. David es un revolucionario y también un estudiante de la universidad en la Havana. Un día al comer helado de chocolate es interrumpido por Diego, un coquetón artista homosexual de 40 años, quien prefiere helado de fresa. Diego corteja a David en una apuesta, y lo persuade a venir a su apartamento con el pretexto de buscar una fotos que le tomó a David cuando salió como Torvald en la reproducción de la Casa de muñecas por Ibsen. En el apartamento mientras busca por las fotos Diego cautiva a David ya que tiene literatura extranjera la cual es prohibida en Cuba. También tiene muchas pinturas religiosas ya que es muy religioso. Al enterarse de que Diego planea hacer una exhibición de arte con la ayuda de una embajada extranjera David se da a la fuga ya que piensa que tal acción es contra-revolucionaria. David va en busca de su amigo revolucionario Miguel y le cuenta lo acontecido en casa de Diego. Miguel es un hombre prejuicioso y según él la revolución no fue peleada para los homosexuales. Por lo tanto, Miguel quiere comprometer a Diego, y le sugiere a David que visite más a menudo a Diego para obtener más información y evidencias que lo impliquen. Quiere saber de dónde obtiene los libros prohibidos y también cómo agarra el wiskey del mercado negro. Lo más importante de estas visitas es obtener evidencia de una supuesta conección ilicita con una embajada. Sin embargo estas visitas transforman la relación de Diego y David puesto que inesperadamente se hacen amigos. Al conocerse más forman una unión que les ayuda a poner de lado sus diferencias. Pero no es lo suficientemente fuerte ya que al final la política es más fuerte y Diego tiene que dejar la isla de Cuba.


No esta en "Dominio Público", pero alguien la colgo en GoogleVideo.Mientras dure...