Titulo Original: Ensayo de un crimen (La vida criminal de Archibaldo de la Cruz) Año: 1955 Duración: 91 min. País: México Dirección: Luis Buñuel Guión: Luis Buñuel & Eduardo Ugarte (Novela: Rodolfo Usigli) Música: Jorge Pérez H. Fotografía: Agustín Jiménez (B&W) Reparto: Ernesto Alonso, Miroslava, Ariadne Welter, Rita Macedo, José María Linares Rivas, Andrea Palma Productora: Alianza Cinematográfica
Archibaldo de la Cruz ha visto en su infancia morir a institutriz, alcanzada por una bala perdida, mientras él se escondía en el ropero de su madre. Ya adulto, la muerte de varias mujeres cercanas a él hacen que Archibaldo crea que es un asesino. Su único razonamiento es que él deseó todas esas muertes y que las mujeres terminaron siendo asesinadas. Interrogado por un juez, Archibaldo devela su vida y las razones por las que piensa que debe ser juzgado. Desde su particular punto de vista, él es el verdadero culpable de todos esos crímenes. (Filmaffinity)
"Relato heterodoxo e inclasificable, repleto de ironía pero también de desasosiego (...) trangresor y sarcástico, surrealista y cómico, terrible y llano. Espléndido." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País).
Info: FilmAffinity Video y ver a pantalla completa: ChristieBooks Versión original con subtítulos en ingles.:
Dirección: Luis Buñuel Productor: Óscar Dancigers Guión: Luis Buñuel y Luis Alcoriza, sobre la novela homónima de Mercedes Pinto Fotografía: Gabriel Figueroa Música: Luis Hernández Bretón Interpretes: Arturo de Córdova, Delia Garcés, Aurora Walker, Carlos Martínez Baena, Manuel Dondé, Rafael Banquells, Fernando Casanova, José Pidal, Roberto Meyer, Luis Beristáin
Francisco Galván de Montemayor, un hombre adinerado de apariencia tranquila, conservador, religioso y virgen, como cada Jueves Santo asiste a la ceremonia del mandatum, el lavatorio de pies que el sacerdote efectúa con singular delectación. Al ver los sensuales pies de una joven sentada en primera fila se queda prendado de su serena belleza. Francisco logra averiguar que la mujer de sus sueños se llama Gloria y va a contraer matrimonio con un viejo amigo suyo. Tras invitarlos a una fiesta en su mansión, conquista a Gloria y se casa con ella. A partir de la misma noche de bodas, los celos lo transforman en un ser obsesivo y paranoico, que sólo ve el asesinato y la mutilación como una solución a su locura.
El retrato surrealista de un acomodado y devoto hombre de mediana edad, camino de la locura por sus celos patológicos y sus aficiones enfermizas por los rituales religiosos, fue unánimemente aclamado por la crítica, que alabó la irónica dramatización con que Buñuel muestra los efectos de las obsesiones sobre el matrimonio y la sexualidad.
De la represión a la obsesión
El propio Luis Buñuel confesó que Él era una de sus obras preferidas, una película considerada como la mejor de las que filmó en México y que figura entre las diez mejores películas mexicanas de todos los tiempos. Basado en una novela de tintes autobiográficos escrita por Mercedes Pinto, madre de los actores Gustavo y Rubén Rojo, Él permanece como un retrato magistral de una paranoia que fue elogiado por el mismísimo François Truffaut.
Info via: Protocolo Zero Video via (ver a pantalla completa): ChristieBooks En versión original en castellano con subtítulos en ingles.
TITULO ORIGINAL Matrimonio all'italiana AÑO: 1963 DURACIÓN: 95 min. PAÍS Italia DIRECTOR Vittorio de Sica GUIÓN Renato Castellani, Antonio Guerra, Leo Benvenuti, Piero de Bernardi (Teatro: Eduardo De Filippo) MÚSICA Armando Trovajoli (AKA Armando Trovaioli) FOTOGRAFÍA Roberto Gerardi REPARTO Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Marilú Toló, Aldo Puglisi PRODUCTORA Coproducción Italia-Francia
Nápoles, durante la Segunda Guerra Mundial. Una bella joven llamada Filomena Maturano, que está sola en el mundo, trabaja en una casa de prostitución, ya que no encuentra otra manera de ganarse la vida. Allí es donde conoce a Doménico Soriano, más conocido como Don Mimi, un acomodado burgués. Éste la retira de la profesión y la lleva a vivir a su casa.
Uno de los mayores éxitos a escala internacional de la comedia italiana. Nominada al Oscar a la mejor Película Extranjera.
Comedia frente a drama, Sophia frente a Marcello, el egoísmo de un hombre frente a la abnegación de una madre, varios duelos colosales entregan esta interesantísima historia que poco a poco engancha al espectador por su realismo, veracidad y capacidad para transmitir sentimientos universales. Por encima de todo; ella. La actriz italiana, que un par de años antes ya se había llevado el Oscar por "Dos mujeres", vuelve a emocionar con la interpretación de un antigua prostituta dispuesta a todo por la respetabilidad.
TITULO ORIGINAL A Farewell to Arms AÑO 1932 DURACIÓN 78 min. PAÍS Estados Unidos DIRECTOR Frank Borzage GUIÓN Benjamin Glazer & Oliver H.P. Garrett (Novela: Ernest Hemingway) MÚSICA Ralph Rainger FOTOGRAFÍA Charles Lang (B&W) REPARTO Gary Cooper, Helen Hayes, Adolphe Menjou, Mary Philips, Jack LaRue, Henry Armetta PRODUCTORA Paramount Pictures
Durante la Primera Guerra Mundial, el teniente Frederick, un americano del cuerpo de ambulancias italiano, y Catherine, una enfermera británica, se convierten en infortunados amantes. El primer encuentro se produce después de haber tomado Henry unas cuantas copas, y toma a Catherine por una prostituta. Cuando el capitán Rinaldi, amigo de Henry pero también su superior, los presenta formalmente, se ríen de aquel primer encuentro, pero también resulta evidente que Rinaldi se siente atraído por Catherine. Para frustrar su incipiente romance con Henry, Rinaldi lo traslada, pero cuando más tarde éste cae herido, se siente culpable y se asegura que esté bajo el cuidado de Catherine durante su convalecencia.
Año: 1963 Duración: 85 min. País: España Género: Cine Negro Formato: Color Reparto: Jose Suarez, Luis Peña, Maria Asquerino, Carlos Otero Dirección: Francisco Perez-Dolz Fotografía: Francisco Marin Guión: Miguel Cusso Música: F. Martinez Tudo
Sinópsis:
Martín y Antoine, que han organizado una banda de atracadores, se ponen en contacto con Román para que les consiga armas y un cuarto hombre. Román convence a Picas, un antiguo atracador que ahora se dedica al trabajo en una masía que tiene alquilada.
Interpretes: Humphrey Bogart, Jennifer Jones, Gina Lollobrigida, Peter Lorre Año: 1954 Genero:Aventura, Comedia Formato: B&N Nacionalidad: UK Director: John Huston.
Escrita por Truman Capote, un grupo heterogéneo de viajeros parten en barco a África para comprar unas tierras con Uranio
Reparto: Richard Shull, Harry Stanton, Warren Oates, Millie Perkins Director: Monte Hellman Director de Fotografía: Néstor Almendros. Duración: 01:23:00 Género: Drama País: EE.UU. Año: 1974
Frank es un hombre al que le apasionan las peleas de gallos, con sus animales recorre el sur de los Estados Unidos para participar en las luchas que se organizan. Es un mundo duro en el que muchos hombres preparan sus gallos para matar y otros buscan conseguir el honor perdido.
Nacionalidad: Francia/Alemania/ Italia Año:1963, Duración: 118 min. Idioma: Inglés, Formato: Blanco y Negro Dirección: Orson Welles Guíon: Orson Welles Fotografía: Edmond Richard Edición: Yvonne Martin, Frederick Muller, Orson Welles Sonido: Jacques Lebreton: Guy Villete Música: Jean Ledrut, Tomaso Albinoni Maquillaje: Luis Dor Protagonistas Anthony Perkins Orson Welles Romy Schneider Producción: Robert Florat,Michael Salkind
Hitchcock solía decir que la mayoría de las películas eran realmenta acerca de un mismo tema, un hombre inocente acusado por error.
El público de hoy no tiene paciencia para seguir a un hombre cuando lucha contra la persecución; actualmente las películas tratan acerca del hombre inocente explotado y olvidado inmediatamente. Cuando realmente el tema encuentra nueva vida, como en "El Fugitivo," se traduce en la acción, y el héroe paga la película con su destreza sobre cómo eludir su captura, en lugar de luchar contra la injusticia de la sociedad. Demasiado malo (aunque "El Fugitivo" es una película espléndida), porque todos nosotros tenemos profundas sensaciones de culpa, y a menudo nuestros sueños están plagados de crímenes que nunca cometimos. En estas pesadillas nosotros intentamos defendernos, explicar, pero las autoridades nos ignoran. Tales situaciones son tan temidas y frustrantes que yo me pregunto cómo alguna vez Hollywood tuvo la idea de que era más atemorizante disparar a personas, o explotarlas lo cual deviene en una simple descarga de tensiones.
La novela de Franz Kafka "El Proceso" es una de las mejores historias jamas escritas sobre el Hombre Inocente, y aún mejor porque tiene sentido que Josef K., su héroe, sospeche en secreto que debe haber hecho algo malo para merecer tal tratamiento de las autoridades. Josef es despertado una mañana por su casera quien le informa que unos hombres quieren verlo.Ella revela por su forma de decirlo que ya lo cosidera culpable; cualquiera que reciba tan extrañas visitas tan temprano en la mañana probablemente sea muy poco digno de fiar. La policía ha venido a informar a Josef sobre los cargos contra él - cargos que nunca le son informados , aunque Josef pasa el resto del historia intentando averiguar lo que él ha hecho según se alega.
¿Leen las personas a Kafka? Yo estoy pensando en lectores reales, gente que ama el olor y siente el placer por un libro, no estudiantes haciendo una tarea obligada. Es irónico que esta nueva película de "El Proceso" probablemente significará, para la mayoría de sus espectadores, una experiencia completamente nueva. Ellos no habrán leído el libro, ni siquiera la mayoría de ellos ha visto la gran versión de Orson Welles de 1963.
Mala señal, porque esta película, dirigida por David Jones con guión adaptado por Harold Pinter, carece del enojo y el miedo de la historia de Kafka y la versión Welles. Josef K., en la primera version , fué tan vilipendiado en su esencia que no podía ser tratado de otra manera. En verdad, él pudiera ser en secreto culpable de algo (¿quién no lo es?) pero si el estado no le asigna un nombre, entonces esto debería mandarlo al infierno de por vida.
Kafka escribió en los primeros años de este siglo. Welles fue formado por ellos. Hoy nosotros hemos asimilado la noción de un estado poderoso; inclusive la mayoría de nosotros se asusta ante la idea de ser detenido por un policía de tráfico. Todavía creemos, ingenuamente, que si nosotros seguimos las reglas todo esta en orden. Eso parece ser la creencia de Josef en esta versión de "El Proceso"; Kyle MacLachlan asume el rol de un hombre recto, reservado, lógico que continúa intentando defenderse pacientemente.
Interpretes: Dennis Hopper, Linda Manz, Raymond Burr, Sharon Farrell, Don Gordon Año: 1981 Genero: Drama Formato: Color Pais: Canada /USA Director: Dennis Hopper
Don Barnes sale de la cárcel por haber chocado un bus escolar borracho matando e hiriendo a docenas de niños.
TITULO ORIGINAL Charade AÑO 1963 DURACIÓN 114 min. Sugerir trailer/vídeo PAÍS Estados Unidos DIRECTOR Stanley Donen GUIÓN Peter Stone MÚSICA Henry Mancini FOTOGRAFÍA Charles Lang Jr. REPARTO Cary Grant, Audrey Hepburn, Walter Matthau, James Coburn, George Kennedy, Ned Glass PRODUCTORA Universal Pictures GÉNERO Comedia. Intriga
SINOPSIS: Una mujer vuelve de una pequeñas vacaciones en una estación de esquí dispuesta a pedir el divorcio a su marido, pero cuando llega a París se encuentra con que éste ha sido asesinado. Las sospechas, según la embajada americana, recaen en 3 hombres que buscan un dinero que aparentemente tenía su esposo, pero que en realidad pertenece al gobierno de los Estados Unidos.
Director: Josef Von Sternberg Intérpretes: Emil Jannings, Marlene Dietrich, Kurt Gerron, Rosa Valetti.
El profesor Inmanuel Rath (Emil Jannings) es un severo profesor de literatura que reprende a sus alumnos por poseer postales de una bella cantante llamada Lola Lola (Marlene Dietrich), que actúa en un club de cabaret denominado "El ángel azul". Una noche acude al local para regañar a sus pupilos. Tras conocer a Lola Lola, él también quedará prendado de sus encantos.
Sombrío retrato psicológico de un hombre autoritario y reservado que deviene en un ser sumiso y humillado por la obsesión amorosa y la atracción sexual, hasta convertirse en un payaso abatido y ultrajado, como así lo fue su predecesor sentimental, pudiendo advertirlo a lo largo del film con las apariciones del primer payaso.
El tratamiento atmosférico del film, siempre un aspecto sobresaliente en los trabajos de Josef Von Sternberg, con especial incidencia en los aspectos lumínicos (con huellas del expresionismo) expositores del nocturno ambiente y el desarrollo de sus personajes, la elaboración minuciosa y reflexiva de cada escena, junto al magnífico empleo del sonido, siendo una de las primeras películas sonoras de la filmografía germana, el estudio del caracter central en su confrontación clasista y descenso hasta la autodestrucción, y la sugerente intervención de Marlene Dietrich, convierten a esta película en una de las más importantes en la carrera de sus protagonistas, en especial de la actriz alemana, que lograría alcanzar el estatus de estrella internacional con este título que daba inicio a su histórica colaboración cinematográfica y personal con Von Sternberg.
Entre sus defectos, la celeridad en el desarrollo y motivación de las acciones sentimentales, en contraposición con su pausado ritmo, lo que puede impedir la conexión emocional con el asunto, al margen de la excelente definición de la situación moral del personaje central, enaltecido por la interpretación del soberbio Emil Jannings. La película está basada en "El Profesor Unrat", una novela escrita por Heinrich Mann, hermano del también literato Thomas Mann.
Año: 1987 Duración: 114' Guión y Dirección: Basilio Martín Patino Producción: José Luis García Sánchez Fotografía: Augusto G. Fernández Balbuena Música: Carmelo Bernaola Intérpretes:Rüdiger Vogler, Verónica Forqué, Maria Luisa Ponte, Luis Ciges, Ana Duato.
Hans, un realizador alemán, se encuentra en Madrid para hacer un programa de televisión sobre la capital y la guerra civil, al cumplirse el cincuentenario de ésta. Acompañado por Lucía, responsable del montaje, y por Goyo, su operador, recorre y graba imágenes de la ciudad actual, dispuesto a descubrir sus espacios y sus gentes relacionados con el pasado. Al mismo tiempo, revisa y monta los materiales de archivo sobre la época. En su búsqueda Hans duda y se interroga acerca del sentido y la naturaleza de su trabajo, con cuyos productores disiente, hasta acabar sustituido en una realización que comenzaba a apasionarle. Pero ha tomado partido por la libertad.
TITULO ORIGINAL Le locataire AÑO 1976 DURACIÓN 126 min. PAÍS Francia DIRECTOR Roman Polanski GUIÓN Roman Polanski & Gérard Brach (Novela: Roland Topor) MÚSICA Philippe Sarde FOTOGRAFÍA Sven Nykvist REPARTO Isabelle Adjani, Roman Polanski, Shelley Winters, Melvyn Douglas, Jo Van Fleet, Bernard Fresson, Lila Kedrova, Claude Dauphin PRODUCTORA Marianne Productions Terror / SINOPSIS: El dependiente Trelkovsky (Roman Polansky) ocupa un apartamento en París en el que había vivido una mujer que se ha suicidado.
Título Los siete samuráis Ficha técnica Dirección Akira Kurosawa Producción Sojiro Motoki Guión Shinobu Hashimoto, Akira Kurosawa, Hideo Oguni Música Fumio Hayasaka Fotografía Asakazu Nakai (blanco y negro) Reparto Toshiro Mifune, Takashi Shimura País(es) Japón Año 1954 Género Drama, Acción Duración 160 minutos
La acción transcurre en el Japón del siglo XVI. Los habitantes de un poblado de campesinos, hartos de ser periódicamente asaltados por una horda de bandidos, deciden hacer algo al respecto. El miembro más anciano del pueblo sugiere contratar samuráis para que los defiendan. Tras varios intentos fallidos de encontrar samuráis dispuestos a luchar tan solo a cambio de comida, encuentran a uno llamado Kanbei, que decide ayudarles. Gracias a Kanbei consiguen reunir a un grupo de siete, y parten hacia el pueblo.
Tras la cosecha, los samuráis entrenan a los campesinos para que luchen contra los bandidos, los cuales sufren algunas bajas en los primeros ataques al poblado. Los bandidos intentan diferentes estrategias, pero no consiguen derrotar a los campesinos, por lo que al final se lo juegan todo en un último ataque. Eventualmente, cuatro de los samuráis y algunos de los campesinos mueren también, pero al final los bandidos son masacrados y el poblado gana la batalla. Tras esto, los samuráis supervivientes abandonan el pueblo y vuelven a su anterior modo de vida.
La película de Akira Kurosawa ha tenido varias adaptaciones, algunas mejor recibidas de otras. La primera fue la película Los siete magníficos, rodada en 1960 y protagonizada por Yul Brynner, en la que la acción transcurría en en lejano oeste y los siete samuráis eran sustituidos por siete pistoleros.
Director: José Luis Cuerda. Guión: Rafael Azcona. Intérpretes: Alfredo Landa, Fernando Valverde, Miguel Rellán, Alejandra Grepi. Fotografía: Javier Aguirresarobe. Música: Jose Nieto. País: España. Año: 1987 Duración: 108 min.
El director José Luis Cuerda y el guionista Rafael Azcona ya habían visitado tierras galaicas antes de "La lengua de las mariposas" para recrear una historia basada en una novela del escritor Wenceslao Fernández Florez ambientada en un pequeño pueblo gallego y las diversas relaciones que se establecen dentro del microcosmos rural tomando al bosque como protagonista central. El film, empero estimable, carece de la admirable definición cinematográfica de la película anteriormente citada.
Los diferentes personajes que aparecen como el enamorado pocero cojo, el jocoso bandido Feldetestas (¿qué sería de un frondoso bosque sin sus salteadores?), las ánimas errantes en pena, la muchacha harta de maltrabajar para su tía que decide irse a la ciudad, los niños movidos entre la picaresca y la laboriosidad, las solteronas urbanas que pretenden pasar unos días de relax en el campo, el cura, la guardia civil o el acaudalado y ocioso señor del pazo son algunos de los habitantes de un ámbito propicio para la magia y la leyenda, para la superstición y la brujería, aspectos que Cuerda no termina por entrelazar con la suficiente destreza mientras dibuja con cierta habilidad el retrato costumbrista y crítico de una microsociedad y una época enfocada desde un sentido sanamente humorístico.
Aunque con un claro desequilibrio, lo trágico y lo cómico se unen en un film coral aceptable que obtuvo un gran éxito, pero que no termina por culminar con magnificencia fílmica su glauco paseo por unas vidas de unos personajes entrañables llenos de anhelos y apetencias. Alfredo Landa, Miguel Rellán o Fernando (Tito) Valverde destacan entre un amplio plantel de intérpretes hispanos como así también lo hace la partitura musical de José Nieto.
Director: Robert Florey y Joseph Santley Intérpretes: Hermanos Marx, Kay Francis, Margaret Dumont, Mary Eaton. Año: 1929 País: U.S.A. Duración: 1h 27 min
En un hotel de Florida dirigido por Mr. Hammer (Groucho Marx) se trama el robo de una preciada joya propiedad de Mrs. Potter (Margaret Dumont), cuya hija Polly (Mary Eaton), desea casarse, en contra de los deseos de su madre, con el arquitecto Bob (Oscar Show). Por su parte, Hammer intentará vender al mejor precio los solares de la Hacienda Los Cocos.
Primera y delirante aparición de los hermanos Marx en el cine sonoro (antes habían grabado un corto titulado "Humor Risk"), adaptando una obra musical escrita por George S. Kaufman e Irving Berling que ya habían representado con gran éxito en Broadway.
"Los cuatro cocos" es una de las más enajenadas y anárquicas películas de este sorprendente y admirado clan familiar, con perturbados diálogos entre Groucho y Chico (lo del viaducto es antológico) y con un hambriento Harpo comiéndose teléfonos y bebiendo tinta china en situaciones ambientadas en la soleada Florida, que se escapan a cualquier atisbo de cordura y razón.
La acción del título padece en algunos momentos de su naturaleza teatral, el aspecto técnico es bastante pobre y el argumento resulta formulario, pero el beneficio derivado del derroche de hilaridad disfrutado gracia al estrambótico humor de estos genios es incalculable, ilustrado aquí con sublimes escenas cómicas como la de la explicación de Groucho a Chico sobre su proceder en la subasta de fincas o la posterior y divertidísima puja, dos indelebles momentos de esta gran pieza cómica, que permanecerán en la memoria de los buenos aficionados a la filosofía marxista.
Duración: 87 min. País: España Director: Luis García Berlanga Guión: Rafael Azcona, Luis García Berlanga, Ennio Flaiano Música: Miguel Asins Arbó Fotografía: Tonino Delli Colli (B&W) Reparto: José Isbert, Nino Manfredi, Emma Penella, José Luis López Vázquez, Ángel Álvarez, María Luisa Ponte, María Isbert, Julia Caba Alba Productora: Coproducción España-Italia; Naga Films (Madrid) / Zabra Films (Roma) Género: Comedia negra
Sinopsis: José Luis, empleado en una funeraria, está pensando en emigrar a Alemania para convertirse en un buen mecánico. Enamorado de Carmen, hija de Amadeo, un «administrador de justicia» que parece tener soluciones para todo, será sorprendido con ella en la intimidad, por lo que se ven obligados a casarse. Ante la acuciante falta de medios económicos y la necesidad de buscar un piso para fundar el nuevo hogar, Amadeo, que está a punto de jubilarse, convence a José Luis para que solicite la plaza de verdugo que va a dejar vacante, y con la que tendrá derecho a una vivienda. Basta con que José Luis herede la profesión de su suegro. Esa es la única condición que pone el Patronato de la Vivienda. Presionado por la familia, José Luis acepta y, convencido de que jamás ejercerá, se hace verdugo. Mientras no hay ejecuciones, la vida en la casa nueva transcurre plácidamente, pero un día llega el temido telegrama: debe ajusticiar a un condenado en Mallorca. La posibilidad de un indulto es su única esperanza.
Isbert ejecuta y se jubila para delirio del espectador, mientras la flaqueza de las piernas de su yerno se convierte en uno de los mejores alegatos contra la pena de muerte jamás vistos en una pantalla de cine. Cruelmente divertida, paradigma del humor negro español, "El verdugo" es, probablemente, la mejor comedia española de todos los tiempos. Isbert, Azcona y Berlanga en estado puro.
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Nacionalidad: España. Guión y Dirección: Juan Antonio Bardem. Argumento: Luis Fernando de Igoa. Director de fotografía: Alfredo Fraile. Música: Isidro B. Maiztegui, José Luis Montador: Margarita Ochoa. Productor: Manuel J. Goyanes. Decorados: Enrique Alarcón. Formato: 35 milímetros. B/N. Duración: 88 minutos. Lugares de rodaje: Madrid. Estreno: 09-09-1955, Madrid: Gran Vía. Espectadores: 37.287. Recaudación: 97.879,20 €. Empresa distribuidora: Suevia Films, Cesáreo González, S.A., y Trionfalcine. Fecha de autorización: 25 de abril de 1955.
Intérpretes: Lucía Bosè (Mª José), Alberto Closas (Juan), Bruna Corra (Matilde), Carlos Casaravilla (Rafa), Otello Toso (Miguel), Alicia Romay (hermana de Juan), Julia Delgado Caro (Madre de Juan), Manuel Alexandre (Ciclista), Fernando Sancho (Guardia), Matilde Muñoz Sampedro, Mercedes Albert, José Sepúlveda, José Prada, Jacinto San Emeterio, Manuel Arbó, Emilio Alonso, Margarita Espinosa, Rufino Inglés, Antonio Casas, Manuel Guitián, Elisa Méndez, José María Rodríguez, Carmen Castellanos, José María Gavilán, José Navarro, Gracita Montes, Manuel Rojas.
Muerte de un ciclista, que, pese a su voluntad de sortear la censura franquista, recibió la calificación de "gravemente peligrosa", se estrenó fuera de concurso en Cannes, donde obtuvo el premio de la Crítica Internacional del Festival.
La aparente simplicidad argumental del filme hace pensar que su exhibición pudo estar exenta de dificultades. Sin embargo, el simbolismo que encierra, despertó el recelo de las autoridades, y de no haber sido por la colaboración del productor Manuel Goyanes, quien involucró a varias compañías para acometer este proyecto, difícilmente se habría rodado este filme. Bardem ya contaba con Alberto Closas, y la productora italiana Trionfalcine aportó, por su parte, a Lucía Bosè. La mayor parte del rodaje transcurrió en los estudios Chamartín, en Madrid y en sus alrededores.
Finalizado el festival de Cannes, Bardem participó en las Conversaciones Nacionales Cinematográficas de Salamanca, durante el transcurso de las cuales, se debatió sobre la situación estructural del cine español. Juan Antonio Bardem y Basilio Martín Patiño resumían conjuntamente las conclusiones de aquel congreso subrayando que "cuando el cine de todos los países concentra su interés en los problemas que la realidad plantea cada día, sirviendo así a una esencial misión de testimonio, el cine español continúa cultivando tópicos conocidos. El problema del cine español es que no es ese testigo que nuestro tiempo exige a toda creación humana". Bardem fue aún más lejos en su valoración de tan significativo encuentro cuando declaró que "el cine español es políticamente ineficaz, socialmente falso, intelectualmente ínfimo, estéticamente nulo e industrialmente raquítico".
No hay que olvidar que el cine franquista, aunque cualitativamente era inferior a otras cinematografías nacionales, tenía una clara finalidad propagandística, y los pocos que evitaban deliberada y solapadamente la censura, pasaron a la posteridad como testigos excepcionales de su tiempo que, no sólo se resistieron a asumir como propios los principios del régimen, sino que, además, lo pusieron en entredicho, simplemente mostrando su lado oscuro.
Guión: Luchino Visconti, Mario Alicata, Giuseppe De Santis Fotografía: Aldo Tonti, Domenico Scala Escenografía: Gino Franzi Vestuario: Maria De Matteis Música: Giuseppe Rosati Montaje: Mario Serandrei Italia, 1943 Duración: 135’ Producción: I.C.I. Reparto: Giovanna Bragana: Clara Calamai Gino Costa: Massimo Girotti Giuseppe Bragana: Juan De Landa Anita: Dhia Cristiani lo Spagnolo: Elio Marcuzzo
Gino Costa es un joven desocupado. Un día, vagabundeando, llega a una casa de campo habitada por el viejo Giuseppe Bardana y su joven esposa Giovanna. Atraída por Gino, Giovanna convence al marido de que lo tome como dependiente en su tienda de ultramarinos. Poco después los dos se convierten en amantes. A oscuras del marido, Gino intenta organizar una fuga con Giovanna, que se niega en medio de un mar de dudas. Decepcionado, parte hacia Ancona y en el camino conoce a un viajero español que le propone continuar la marcha juntos. Pasan los días; el amor por el canto lleva a Giuseppe a Ancona, acompañado de su mujer, para participar en un concurso lírico. Los tres se encuentran y entre los dos jóvenes vuelve a estallar el fuego de la pasión. Pese a la ingenua benevolencia de Giuseppe, que propone a Gino volver a la tienda, el joven y Giovanna comprenden que el único modo de estar juntos es que el viejo Bardana desaparezca. Urden entonces un accidente de carretera, en el cual Giuseppe pierde la vida. Pero la pareja, devorada por la culpa, termina por separarse. Gino se marcha a Ferrara y abandona a Giovanna por una modesta bailarina, Anita, convencido de que aquélla lo había engañado buscando solamente cobrar el seguro por la muerte de su marido. Giovanna, sola y amargada, revela a Gino que está esperando un hijo suyo y lo obliga a volver a ella. La policía los descubre. Los dos cómplices intentan una última y desesperada fuga pero el coche derrapa y se sale violentamente de la calzada. Giovanna muere en el accidente y Gino cae en manos de las fuerzas del orden.
Nombre original de la Pelicula: Yunost Maksima Año de producción: 1934 País: U.R.R.S. Dirigida por: Grigori Trauberg Kozintsev Guion: Grigori Trauberg Kozintsev Musica por: Dmitri Shostakovich Fotografia: Andrei Moskivin
Primera película de la 'trilogía Máximo' filmada por los cineastas soviéticos Grigori Kozintsev y Leonid Trauberg entre 1935 y 1939. Con banda sonora de Shostakovich, narra la toma de conciencia revolucionaria de un obrero fabril en la Rusia zarista.
Año: 1962 Género:Comedia Nacionalidad: España Director: José María Forqué Actores: Manuel Alexandre, Rafaela Aparicio, Manuel Díaz González, Lola Gaos, Agustín González, Alfredo Landa, Katia Loritz, José Luis López Vázquez, Paula Martel, Gracita Morales, José Orjas. Guión: Vicente Coello, Rafael J. Salvia Fotografía: Alejandro Ulloa Música: Adolfo Waitzman Duración:89 minutos.
Atraco a las tres es una película española dirigida por José María Forqué en 1962. Es una película mítica del cine español, en la que con suma maestría José María Forqué consigue sortear la censura de la época, presentando una crítica mordaz a la sociedad española del momento, sus carencias, miserias y jerarquización; envuelto en humor negro y con un desenlace dulzón e ingenuo, muy al gusto de la época.
Fernando Galindo, el cajero de un banco, consigue convencer a sus compañeros de trabajo para desvalijar su propia sucursal fingiendo un atraco, tras el despido de don Felipe, su estimado director, y para resarcirse de sus sueldos miserables y malas condiciones laborales. Preparan el atraco minuciosamente durante días al estilo de las películas del cine negro, pero finalmente el plan se frustra porque el día elegido para el simulacro de atraco se presentan unos atracadores de verdad, que habían recibido el soplo de Katia Durán, una vedette de la que Galindo se ha enamorado y a la que había confesado sus intenciones.
Producción
Pedro Masó se había fijado siempre en el cine italiano para realizar sus películas, y decidió utilizar la parodia de Rififi de Julius Dassin titulada Rufufú da el golpe que dirigió Macio Monicelli de para escribir la historia, pensado que la historia podía tener otra «vuelta de tuerca». Tardó en escribir el libreto de 120 páginas 9 días durante la madrugada. Tras hacerlo, para que la historia tuviese sentido, decidió contar con sus colaboradores habituales, Vicente Coello y Rafael J. Salvia. Como director Masó decidió contratar a José María Forqué quien tuvo que incorporarse a última hora, ya que por aquel entonces tenían muchos proyectos.
Para el papel de Castrillo habían querido tanto Forqué como Masó que lo hiciera Manolo Gómez Bur, sin embargo el actor no pudo hacerlo al comprometerse con otra película. Entonces vieron una comedia de Javier Poncela donde actuaba Alfredo Landa y decidieron contratarle. Para el resto de papeles contraron a actores jóvenes como Agustín González, Gracita Morales y Manuel Alexandre, dando el papel más importante a José Luis López Vázquez al ser un actor ya consagrado]].
A la hora de comercializarla, a los distribuidores «no les gustó absolutamente nada, les pareció una broma tonta». Por ello su director se marchó desilusionado a París donde leyó en el ABC que la película había sido un éxito en taquila. Para el cartel de la película se contrató como diseñador a Francisco Fernández Zarza.
Recepción
A pesar de ser un éxito en taquilla en su momento, está mejor valorada en la actualidad que por la crítica de la época. Aunque la crítica del momento la valoró positivamente Florentino Soria diciendo que «la parodia discurre por cauces tan sorprendentes como divertidos sin que falte una crítica condescendiente y cierto leve tono patético que envuelve el disparate», la críticas actuales valoran la película como una película emblemática de la mejor comedia española, el crítico de El País Diego Galán valoró la película como una de las comedias españolas mejor cuadradas debido al alto nivel de sus intérpretes y su modesta propuesta que tuvo fáciles resultados.
País: España. Año: 1944. Director: Edgar Neville. Guión: José Santugini y Edgar Nevilleen base a la novela de Emilio Carrere. Producción: Luis Judez y Germán López. Fotografía: Enrique Berreyre. Intérpretes: Antonio Casal (Basilio Beltrán), Isabel de Pomés (Inés), Julia Lajos (Madre de La Bella Medusa), Guillermo Marín (Doctor Sabatino), Félix de Pomés (Don Robinson de Mantúa), Julia Pachelo (Braulia), Manolita Morán (La Bella Medusa), Antonio Riquelme (Don Zacarías), Emilio Barta, Manuel Miranda, Antonio J. Estrada, Julia García Navas, Luis Latorre, Rosario Royo, Francisco Zabala, Luis Ballester, Natalia Daina, Carmen García, José Arias, José Franco y Antonio Zaballos. Productora: Producciones Luis Judez; German López España y J. Films. Duración: 81 minutos. Música: José Ruíz de Azagra.Cartel Rodada: En 35 milímetros. Código de color: Blanco y negro. Escenografía y decorados: Pierre Schild de “S.E.S.”. Fecha de estreno en Madrid: 23 de noviembre de 1944, en el cine Capitol. Permanencia en cartel: 7 días. Clasificada de 2ª categoría Constructor de decorados: Francisco Canet Cubel.
Argumento: Obra teatral homónima de Edgar Neville Guión: Edgar Neville, Henry Barreyre Música: José Muñoz Molleda Montaje: Mariano Pombo Decorados: Sigfrido Burmann Intérpretes: María Bru, César de Nueda, Rafael Durán, Enrique Herreros, Josefina de la Torre, Julia Lajos, Juanita Manso, Guillermo Marín, Joaquina Maroto, Conchita Montes, Eloisa Muro, Manuel Ocaña, Julia Pacheco, Manuel París, Joaquín Roa, Alicia Romay, Rosario Royo, María Seco Distribución: Los Films del Buho Estreno: 26 de abril de 1945. Madrid
Una joven emprende un viaje después de la muerte de su marido. En el tren coincide con una vieja adivinadora de un circo. Para pasar el rato, la adivinadora le narra a la viuda la vida que llevó con su esposo, un hombre bueno y aburrido, en contraste con la que pudo haber llevado con otro individuo, simpático y atento, que la quería.
Comentario: Una de las comedias más importantes del cine español de los años cuarenta. Conoció una segunda versión, “Una mujer bajo la lluvia”, dirigida por Gerardo Vera en 1991.
Cita: “Allá por el año 1944 se me ocurrió de repente un argumento. Era “la vida en un hilo”. Siempre me ha preocupado la influencia decisiva que tiene la casualidad en nuestras vidas, en cómo cambia el curso de éstas el hecho fortuito de mirar a la derecha en vez de mirar a la izquierda al cruzar una calle, el retrasarse en dos minutos al ir a un sitio, cualquier circunstancia imprevista que le haga a uno conocer o no conocer a una persona. En fin, una variante sobre las pequeñas causas y los grandes efectos”. (Edgar Neville en “Teatro”. Editorial Biblioteca Nueva. Madrid,1955).
“Supone la asunción – no mecánica, sino matizada y españolizada, en el mejor sentido – de la gran comedia americana, la crítica de una sociedad sin mensajes obvios, sin tesis machaconas, sin ese compromiso a flor de piel que caracteriza el peor cine, el llamado, entre comillas, cine social” (Carlos y David Pérez Merinero en “Cine español: algunos materiales para el derribo”, Ed. Cuadernos para el diálogo, 1973).
“Se trata de una alta comedia sobre el tema del azar, con una ingeniosa estructura narrativa, en la que se combinan el presente, el pasado real y el pasado que pudo ser y no fue. Otra de sus virtudes consiste en alinearse decididamente contra la hipocresía y el aburrimiento, que según la película llevan a la muerte por pulmonía doble”. (Fernando Méndez-Leite en “Historia del cine español en 100 películas”. Guía del Ocio. Madrid, 1975).
“Una de las obras fundamentales de Edgar Neville es “La vida en un hilo”. Cuenta la historia de lo que fue y de lo que pudo ser a causa de una mala jugada del destino que, en contra de lo que suponemos, nunca se nos presenta de forma trascendental, sino oculto bajo el juego casi imperceptible de las circunstancias. Lejos de filosofar a la manera de no pocos grandes maestros de la comedia cinematográfica, Edgar Neville hace y deshace el enredo de su película cara al público, con la elegancia de un poeta y con la sabiduría de un malabarista. “La vida en un hilo” es, en su género, una obra excepcional”. (Emilio Sanz de Soto en “Cine español 1896-1983″. Dirección General de Cinematografía. Madrid, 1984).
“Frente al habitual pintoresquismo de otras de sus más celebradas producciones donde se hace eco de un apasionado costumbrismo, próximo al más puro sainete, con “La vida en un hilo”, Neville se aproxima a las circunstancias, fastuosidades y miserias del momento en un claro intento por hacer suyo un nuevo estilo de narraciones populares y castizas. En cierto modo, sin dejar de ser algo así como un sainete encubierto y modernizado, la película tiende a situarse en el género de la alta comedia al que Neville llega pleno de sutileza e ingenio (…) Logra el realizador una obra hábilmente resuelta, en la que se contienen los elementos esenciales que dan consistencia al género. Es decir, el triángulo amoroso, el enredo de situaciones, las acciones casuales, el entorno no exento de sobrio refinamiento, etc. Pero a un mismo tiempo, el film alcanza una dimensión crítica de extraordinaria significación social”. (Enrique C. García Fernández en “Historia ilustrada del cine español”. Editorial Planeta. Barcelona, 1985).
Premios: 1945; Círculo de Escritores Cinematográficos, Mejor Guión, Edgar Neville
